[아트코리아방송 = 김한정 기자] Perrotin Paris에서는 유럽과 갤러리에서 열리는 쉬폰 토마스의 첫 개인전인 리본 샤프(Ribbon Sharp)가 2025년 1월 18일까지 열리고 있다.
브루클린에 거주하는 이 아티스트는 조각, 콜라주, 드로잉을 통합하여 예술에 대한 학제간적 접근 방식을 선보이고 있다. 이 전시에는 12개의 새로운 조각품과 몰입형 설치물이 선보이며, 해부학적 형태와 건축적 구조의 융합을 볼 수 있다. 종종 재활용 목재, 콘크리트, 청동, 스테인드 글라스로 구성된 그의 다면적인 실천은 분열되고, 균열되고, 변형되는 자아를 탐구한다.
고정되고 대부분 딱딱한 형태의 조각은 관객에게 의심을 표하는 경우가 거의 없다. 전시에서 관람객은 예술가가 고민한 일련의 선택과 작품에 주어진 공간을 보게 된다. 철과 콘크리트와 같은 재료를 초자연적으로 변형하면서, 건축에서 신체를 확실하게 지지하고 보호하기 위해 영구성을 위해 의도된 재료인 쉬폰 토마스는 이러한 재료와 구조물을 의심의 계보로 재구성하고, 그 반대 개념인 믿음을 재구성하였다.
이러한 작품들은 우리가 신체와 건물 모두의 역할과 의도에 대해 의문을 제기하게 하는데, 각각은 고유한 기대와 내구성과 가단성이라는 고유한 특성을 가지고 있다. 아마도 우리는 모두 우리에게 믿음을 제공하는 구조에 대한 반응으로 분해되고 다시 만들어지도록 만들어졌을 것이다. 우리를 끊임없이 내쫓고 우리를 무가치하다고 여기는 장소에서도 생존이 가능하다는 믿음 말이다.
토마스의 조각품은 우리에게 "실제"인 인체의 주조물, 명백한 역사적이고 상징적인 혈통을 가진 구조된 건축적 요소를 고려하고, 조각만 존재할 때 개별 신체가 어디에서 시작되고 끝날 수 있는지 결정하도록 요구한다. 토마스는 창문, 천장, 캐비닛과 같은 건축의 잔재와 함께 고립된 얼굴, 가슴, 발의 불확정성을 제시한다. 우리는 집의 사생활 내부에서든 우리가 모이는 공간에서든 건축 양식을 사용하여 정체성을 정의하는 데 익숙하다. 토마스의 조각품은 이러한 공간과 우리 자신의 신체에 대한 통제와 제한의 긴장을 포착하였다. 그는 개별 조각품을 흡입으로 간주하고, Untitled(시계) (모든 작품, 2024)와 같은 더 큰 설치물은 엄청난 범위의 녹청으로 된 압착 주석 천장 패널의 방사형 구성으로, 내쉬는 것으로 간주하였다. 그러한 프레이밍을 통해 우리는 둘 다 완전히 호흡하는 데 필요하다는 것을 이해하고, 신체와 구조는 불완전함 속에서 공생한다.
특히, 고딕 양식의 모티프와 장식에 대한 토마스의 매혹은 성별화된 신체, 보호적이면서도 관통할 수 있는 성모 마리아에 대한 건축 양식의 상징적 호소와 관련이 있다.용접 벽 작품 제목 없음(정맥 외) 은 다양한 유형의 구조적 "갈비뼈"로 구성된 고딕 성당의 아치형 천장을 참조하였다.여기서 갈비뼈는 주조 콘크리트 몸통을 가두는 것처럼 보이며, 금속 구조에서 벗어나려고 시도하면서 반으로 갈라져 그 뒤의 벽에 목탄 그림으로 혈관 흔적을 남긴다.완전히 분리하는 것이 불가능하다고 느껴진다면, 우리는 보다 호혜적인 시스템의 잠재력을 훼손하고 있을 수 있다.갈비뼈는 우리가 완전히 붕괴되는 것을 막아준다.
낡은 나무 창틀을 사용한 일련의 작품에서 토마스는 내부와 외부를 구분하는 기능을 무시하였다. 불투명한 스테인드 글라스가 이 창틀을 채우지만, 빛이 창틀을 통해 쏟아지지 않는다. 대신 토마스는 다른 유형의 내부를 제공하며, 건축 공간을 스테인드 글라스와 비슷한 방식으로 패치한 거칠게 봉합된 실리콘의 신체 공동으로 대체하였다. 뚜렷한 스티칭은 유리창 사이의 용접된 능선과 쪼개진 프레임의 고르지 않음을 반영한다. 전체적으로, 그들은 쉴 새 없이 재사용하고, 이질적인 부분의 의도적인 가시성을 말하고 있다.
이러한 실리콘 공동은 전시 전반에 걸쳐 신체적 간섭으로 다시 등장하는데, 예를 들어 가톨릭 고해실의 베일에 싸인 사생활을 암시하는 친밀한 허영심과 단순하게 만들어진 할아버지 시계의 몸체가 있다. 제목 없음(알코브) 은 둥글고 움푹 들어간 알코브가 채워지고 봉인되어 있으며 바닥에 있는 세 쌍의 청동 발이 있다. 각 쌍은 스테인드 글라스와 스티치된 실리콘으로 자리 잡고 있으며, 일반적으로 신성한 감금, 유물함을 암시한다. 그러나 토마스는 이 발을 갈지 않고 마치 내부의 힘이 미지의 곳으로 위로 끌어올리는 것처럼 발가락에 올려놓았다.
토마스는 우리가 이러한 조각들에 공감하거나 동일시할 수 있음에도 불구하고 이러한 무지와 익명성의 감각을 선호하였다. 제목 없음(pterygota) 에서 콘크리트와 나무로 된 몸체가 뒤에서 보이는데, 낡은 나무 판자의 큰 날개 안에서 솟아오르거나 무게에 밀려 내려가는 모습이 보인다. 얼굴이 다른 신체 부위보다 더 드러날 수 있다면, 토마스는 그러한 해결책을 거부할 것이다.
Untitled (splintered) 에서 두 얼굴이 합쳐지는지 갈라지는지는 불분명하며, 목 주위를 얽히고 몸통으로 뻗어 있는 얽힌 장식용 철제에서 울려 퍼진다. 이 고집스러운 모호함은 이러한 신체에 존재하는 의심, 결의, 실패의 더 순환적인 본질을 말해준다. 이러한 소재는 견고할 수 있지만 적응은 연속적이다.
그러나 이러한 신체와 구조가 아무리 부서져 보여도 토마스는 모든 대상에게 부드러움과 취약함을 확장시켰다. 이것은 무제(무덤) 에서 가장 명확하게 드러나는데 , 이 작품은 웅장한 녹청 벽이 있는 자체 갤러리에서 경험할 수 있다. 내부에는 수천 개의 작고 잘린 발이 바닥에 쌓여 있는데, 마치 납골당에서 볼 수 있듯이 질서가 없어 보인다. 토마스에게 이러한 잘리고 고립된 발은 우리가 움직임의 노동, 발이 어떻게 우리의 무게를 지시하고 흡수하는지에 집중할 수 있게 해주며, 따라서 시간이 지남에 따라 우리의 개인적이고 집단적인 여정을 반영하였다. 다른 작품이 인간의 규모인 반면, 이러한 발의 작은 크기는 발의 축적과 뚫을 수 없는 배열을 강조합니다. 그들은 요구하기 위해 온전한 신체가 필요하지 않습니다. 시스템이 권력을 행사하려면 얼마나 많은 신체가 필요할까요? 그리고 스스로를 위한 구조가 되려면 얼마나 많은 신체가 필요할까요?